Fiche d'informations
LOREENA MCKENNITT Pays : Canada Genre : Folk / Celtique Dates : 1957 URL : cliquez ici - Avis : 89 note(s) et 6 critique(s) - Moyenne albums : 8.37 - Classement : 293 - Consultations groupe : 42715
Article
13/04/2007 Type : entretien Titre : Le retour d'Euterpe Presque dix ans séparent « The Books of Secrets » et « An Ancient Muse », le septième album studio de Loreena McKennitt. Un silence qui entretint la légende de la diva canadienne avant ce retour attendu qui n’hésite pas à nourrir son imagination, et la nôtre, d’influences puisées en Orient. Enregistré aux studio Real World de Peter Gabriel, l’album convie l’auditeur à un foisonnant voyage en compagnie d’une grande dame de la chanson. Un entretien passionnant. Cyrille Delanlssays » Vous pouvez consulter la chronique de « An Ancient Muse » en cliquant ici Quelle est l’origine du titre de l’album An Ancient Muse ? Loreena McKennitt : Le titre de l’album An Ancient Muse s’est dégagé des fragments de l’album précédent, The Book of Secrets. Je voulais de nouveau m’inspirer de l’époque des tout premiers Celtes, époque qui se situe aux alentours de 500 av. J.-C.. Et je me suis dit qu’il serait intéressant de chercher à découvrir d’autres événements historiques ayant marqué ce parcours de l’histoire, en regardant, par exemple, ce qui se passait en l’an 500 av. J.-C., c’est-à-dire à peu près à l’époque où la Route de la Soie a vu le jour; ou bien encore, aux alentours de 400 av. J.-C., période qui correspond approximativement au règne d’Alexandre le Grand; ou alors, comment les Celtes ont en fait tenté de piller Delphes en Grèce à peu près en 279 av. J.-C. et comment ils ont réussi à s’introduire par vagues successives en plein coeur de ce qu’on appelle maintenant l’Angleterre, l’Irlande, l’Écosse et le Pays de Galles, même, vous savez, jusqu’à l’an mil apr. J.-C.. Ainsi, je voulais que ce parcours de l’histoire serve de point de départ à la création de l’album. Et à chaque fois que je découvrais un nouveau chapitre de cette période de l’histoire, je voulais me plonger dans les livres traitant du sujet. Alors, par exemple, quand je suis arrivée en Grèce, j’ai cherché à en savoir plus sur Homère, que j’ai trouvé fascinant, tout comme le fait d’ailleurs, que les Celtes se soient rendus jusqu’en Asie Mineure, notamment en Turquie, et que Saint Paul fait référence à eux dans ses Épîtres aux Galates. D’où, pour l’album An Ancient Muse, je dirais que je me suis largement inspirée de cette tranche de l’histoire qui correspond à l’époque des premiers Celtes. En tant qu’auteur-compositeur, où cherchez-vous votre inspiration ? Loreena McKennitt : Je m’inspire d’une foule d’expériences. Force est de constater qu’en ce qui a trait à la musique que je compose, je n’ai jamais vraiment été très portée à chercher mon inspiration en fouillant dans ma vie privée, tandis que l’histoire des peuples celtes a toujours su éveiller ma curiosité et nourrir mon imagination. Je pense que ma démarche s’apparente à celle de l’écrivain voyageur, alors forcément, mon inspiration passe par le voyage. Et au fil des ans, je me suis retrouvée à voyager à toutes sortes d’endroits qui conservent une trace des peuples celtes. Les voyages qui ont inspiré l’album An Ancient Muse ont commencé à peu près en 2000. C’est l’année où j’ai été pour un temps l’invitée du Prince Ali, fils du défunt roi Husayn de Jordanie. En 2003, je suis allée en Mongolie, puis dans un coin de la Chine, en fait, à une ville qui s’appelle Urumqi dans la partie nord-ouest de la Chine. Et dans la région d’Urumqi, ils ont trouvé des momies aux cheveux roux enveloppées dans des linceuls aux motifs de tartan écossais. Leur existence remonte aux alentours de l’an 1000 av. J.-C. et on croit que ces momies préfigurent les premiers Celtes. Dans un tout autre ordre d’idées, j’ai voyagé en Grèce à quelques occasions. Or, ces voyages m’ont permis de voir à quoi ressemble la campagne dans ce pays. Par la suite, j’ai fait appel à ces images pour créer le ‘paysage’ de ma musique. Ainsi, par exemple, il m’arrive parfois de prendre une ou deux minutes pour bien mettre en scène la chanson sur le plan musical avant même de commencer à chanter les paroles. Ce faisant, je cherche avant tout à utiliser le souvenir de ces voyages et de ces images, de cette lumière, de ces bruits, ainsi que de ces parfums, pour construire un ‘paysage’ très précis dans ce prélude purement instrumental avant d’entonner la chanson comme telle. Les voyages furent aussi pour moi l’occasion de faire la connaissance de toutes sortes de gens provenant de milieux très différents, et c’est effectivement au cours de mes voyages que j’ai rencontré des universitaires. Par exemple, j’ai connu quelques professeurs d’archéologie, notamment lorsque je me suis rendue au site archéologique situé à l’extérieur d’Ankara, en Turquie. Le Docteur Mary Voight m’a accompagnée pendant que je visitais ce site, et aussi le Docteur David Soren de l’Université d’Arizona. Il m’arrivait parfois de rencontrer des écrivains voyageurs. Il m’arrivait aussi parfois de rencontrer des musicologues. Ainsi, le fait d’avoir connu tous ces gens et de m’être imprégnée de la culture et du mode de vie de la population locale partout où j’ai voyagé a finalement donné toute une couleur à la musique de l’album An Ancient Muse, et on peut dire qu’en soi, cela représente aussi une influence importante. Je me souviens d’une fois quand j’étais en Turquie en 2003, j’ai logé dans un charmant petit hôtel tenu par un homme qui connaissait bien ma musique, et qui me connaissait donc en tant qu’artiste, et il m’a dit : « Eh bien, quand vous serez revenue de votre dîner, je pourrais peut-être inviter quelques musiciens et organiser une petite soirée musicale impromptue. » Et effectivement, quand je suis revenue de mon dîner, il avait en effet réuni des musiciens et nous avons dû passer, je ne sais pas moi, au moins trois ou quatre heures à jouer de la musique jusqu’aux petites heures de la nuit. Et quelle belle occasion, à la fois si intime et si exquise, que d’apprendre à connaître de parfaits inconnus à travers cette passion que nous partagions tous pour la musique. En fin de compte, j’ai réalisé que le voyage est en quelque sorte la marque de mon oeuvre musicale, car les voyages ont été pour beaucoup dans ma façon de créer sur le plan artistique, mais aussi, ils se sont inévitablement révélé être des expériences riches d’enseignements. Qu’est-ce qui vous a conduit à vous intéresser à l’histoire et aux voyages ? Loreena McKennitt : Je me souviens qu’à l’école, l’histoire ne m’intéressait pas particulièrement. En fait, quand j’ai commencé à m’intéresser à la musique celtique, j’ai compris à quel point il est important de connaître les nombreux contextes économiques, politiques et sociaux dans lesquels elle a pris forme pour être en mesure de l’apprécier à son plein potentiel. Alors, quand j’ai pris conscience de cela, je me suis dit : « D’accord, je vais continuer à explorer l’histoire des peuples celtes et je m’en servirai comme tremplin sur le plan créatif. » Et forcément, les voyages occupent une grande place dans une telle démarche artistique. En phase de recherches, je passe aussi beaucoup de temps à lire vraiment toutes sortes de livres très différents les uns des autres. Certains d’entre eux sont des ouvrages académiques, tandis que d’autres sont, par exemple, des livres de voyage. Ou d’autres encore sont des livres d’images qui présentent uniquement des photographies. J’ai de magnifiques livres provenant de Grèce et de Turquie sur certains musées et sur les oeuvres exposées dans ces musées. Je crois qu’un des points tournants dans ma rencontre avec l’histoire des peuples celtes s’est produit à Venise en 1991 lors d’une des plus grandes expositions jamais consacrées aux Celtes. Il y avait beaucoup d’objets anciens qui avaient tout récemment été mis à jour dans l’ancien Empire soviétique et qui n’avaient donc encore jamais été exposés en Occident. Et j’ai été très impressionnée par l’envergure de ce patrimoine celte. Finalement, je trouve mon inspiration tant au cours de mes voyages que dans les livres que je lis. Il m’arrive aussi de regarder des documentaires télévisés, ou d’écouter des documentaires radio et des livres audio. On peut dire que toutes sortes de choses m’inspirent. Comment décririez-vous le processus de création dans votre pratique artistique ? Loreena McKennitt : En fait, je suis certaine que chaque créateur a sa propre méthode. Je sais que je me retrouvais assise avec toute ma documentation, mes livres, mes livres audio, mes documents vidéo et tout le reste, puis j’essayais de digérer le plus d’information possible tant et aussi longtemps que je pouvais rester assise. Puis, j’allais peut-être prendre une marche en faisant abstraction de toute cette documentation afin de vraiment profiter de l’air de la campagne pour me ressourcer et passer à une autre vitesse. Mais inévitablement, plus souvent qu’autrement, une partie du matériel que j’avais lu ou assimilé faisait son petit bout de chemin dans ma tête, travaillant de façon subconsciente, jusqu’à ce que tout à coup, par moments, une mélodie ou encore certaines images ou idées me vinssent à l’esprit. Ceci dit, le processus de création peut aussi prendre d’autres formes dans ma pratique artistique. Une idée peut très bien germer à partir de quelques mots ou de quelques phrases, mais aussi commencer avec une seule ligne mélodique et lorsque ceci se produit, je me pose la question : « D’accord, qu’est-ce que cette mélodie essaie de me dire et comment puis-je me la représenter autrement ? » Comment créez-vous les chansons et les ‘paysages musicaux’ de l’album à partir des recherches que vous faites et des expériences que vous vivez ? Loreena McKennitt : Quand je suis en création, il m’arrive parfois de me livrer à un exercice ressemblant beaucoup à celui du cinéaste qui visualise son film plan par plan. Alors, dans un premier temps, j’essaie de trouver un titre qui, idéalement, saisit bien l’esprit du projet et l’orientation des recherches que je compte entreprendre lors de la cueillette de matériel dans les mois, voire les années qui suivront, afin de toujours garder le cap sur l’album. Puis, dans un deuxième temps, je commence à dégager les thèmes et les idées qui sont le fruit de mes voyages et de mes recherches, et je me dis : « D’accord, maintenant je veux créer une chanson qui approfondit cette idée très précise; ou qui représente ce thème en particulier; ou encore qui met en lumière tel coin de l’histoire. » Alors quand je pense à An Ancient Muse, il y a une chanson qui s’intitule « Kecharitomene », laquelle porte une réflexion sur l’étendue de toute l’époque où les gens voyageaient de part et d’autre de la Route de la Soie. « Kecharitomene » est en réalité le nom d’un monastère. Une femme, en fait, une des rares femmes historiennes du temps des Croisades, fit la chronique d’une tranche de l’histoire byzantine, et, « Kecharitomene » est le nom du monastère où elle vivait. Alors, dans ce cas-ci, je cherchais à créer une chanson qui, dans sa dimension musicale, puisse représenter et peut être même évoquer cette période de l’histoire, tout en me permettant de mentionner, dans les notes explicatives du livret de l’album, ce personnage insolite qui fut historienne à cette époque. Trouver et réunir des musiciens de différents horizons est un autre aspect important de la création de l’album. Je suis allée à Athènes travailler avec des musiciens plus d’une fois pendant la création d’An Ancient Muse. Il y eut une autre séance de travail avec des musiciens en Italie, puis à Los Angeles, et aussi à Toronto. En outre, je cherchais des musiciens qui jouaient des instruments dont la sonorité puisse évoquer une époque ou un lieu en particulier. Par exemple, à Athènes, nous avons travaillé avec des musiciens qui jouaient du bouzouki, de la lyra, du kanoun et du oud. Je me souviens d’une séance où il y avait un cornemuseur qui jouait une cornemuse provenant de.., je ne suis pas certaine, mais je crois que c’est de la région balkanique. Pour en revenir aux sujets de l’inspiration et des ‘paysages’ que j’essaie d’évoquer dans ma musique, j’accorde une grande importance au choix des instruments et des musiciens, car c’est grâce à leur sonorité idiomatique qu’ils arrivent à donner de l’authenticité au ‘paysage’ de la chanson. Lors d’une autre séance musicale - nous les appelons en fait nos ‘séances d’expérimentation de chimie musicale’ - à Los Angeles, j’ai travaillé avec un batteur originaire d’Israël. Ma musique comporte souvent des influences moyen-orientales. Et ce qui était bien c’était que, venant du Moyen-Orient, ce batteur pouvait sur sa batterie, qui est finalement un instrument de musique tout à fait contemporain, apporter une couleur très moyen-orientale aux morceaux de musique que nous improvisions ensemble. Dans cet esprit, j’ai parfois choisi de faire jouer un batteur avec un joueur de bodhran, ou encore avec un autre percussionniste qui jouait, par exemple, des tablas. Ainsi, en essayant différentes combinaisons, je pouvais explorer l’espèce de fusion culturelle qui s’opérait entre les rythmes et la sonorité des instruments. Quels genres de musiciens et d’instruments avez-vous choisis pour An Ancient Muse ? Loreena McKennitt : J’ai utilisé une grande diversité de musiciens pendant la phase d’expérimentation musicale, et par la suite, pour l’enregistrement de l’album An Ancient Muse. Un certain nombre d’entre eux sont des musiciens avec lesquels j’avais déjà travaillé par le passé, notamment Brian Hughes, qui joue les guitares sur l’album; Donald Quan, l’alto; Caroline Lavelle, le violoncelle; Hugh Marsh, le violon; et pour la basse, nous avons utilisé différents joueurs de basse pour obtenir des sonorités et des sensibilités musicales bien distinctes - et cela dépendait aussi de la disponibilité de chacun - Tim Landers et Charlie Jones. Aussi, différents batteurs et percussionnistes, dont un percussionniste moyen-oriental et des percussionnistes irlandais. Il y a une cornemuse irlandaise. Il y a un choeur de jeunes garçons, soit des choristes du Westminster Boys’ Choir de Londres, en Angleterre. Il y a aussi un ensemble de violes de gambe qui s’appelle Fretwork. Nous avons également utilisé des musiciens de la Grèce qui jouaient des instruments de musique très intéressants, telle la lyre, qui est toute petite - je dirais d’une dimension qui fait environ entre 50 cm et 60 cm - et on la joue en la tenant sur ses genoux. Et son équivalent turc qui s’appelle le violon kemanche. Le oud, le bouzouki, le kanoun - le kanoun est comme un Dulcimer sauf que les cordes sont pincées plutôt que d’être frappées par des marteaux. Nous avions également un merveilleux instrument qui s’appelle la nyckelharpa, un instrument à archet des pays scandinaves dont la mécanique ressemble beaucoup à celle de la vielle à roue, laquelle fait aussi partie des instruments joués sur l’album. Mais la nyckelharpa est douée d’une sonorité troublante qui nous hante. Ce curieux instrument à archet se joue sur une sorte de clavier. Donc, cet album propose un large éventail d’instruments couvrant une vaste étendue d’une portée à la fois géographique et culturelle. Et je dois avouer que c’est quelque chose qui me plaît beaucoup. J’aime le fait que certains des instruments utilisés sur l’album reflètent mes recherches, mes voyages et ma démarche. Où avez-vous enregistré An Ancient Muse ? Loreena McKennitt : Nous avons essentiellement enregistré An Ancient Muse en Angleterre, en pleine campagne dans le Wiltshire, aux studios Real World de Peter Gabriel. Une des raisons principales pour lesquelles nous avons choisi les studios Real World est que son emplacement nous semblait être une sorte de point de chute stratégique. C’est en quelque sorte un lieu central, facilement accessible tant aux musiciens arrivant d’Amérique du Nord qu’à ceux provenant d’Europe. Il y a aussi d’autres raisons d’ordre pratique qui ont influencé notre choix, comme par exemple, la question des visas et ainsi de suite. Un autre des avantages de travailler aux studios Real World est que, de temps à autre, il m’arrive de penser : « Hum, il nous faudrait un joueur d’esraj, ou encore, il nous faudrait un violon kemanche ou quelque chose comme ça. » Et comme très souvent Peter - qui a un label « musiques du monde », c’est-à-dire son label Real World - a l’habitude de travailler avec beaucoup de musiciens qui jouent ce style de musique, alors c’est facile pour lui de dire : « Eh bien nous connaissons justement un joueur de violon kemanche et un joueur d’esraj, et voici leur numéro de téléphone. » Et c’est une autre des raisons pour lesquelles nous avons choisi de travailler aux studios Real World. Comment décririez-vous l’enregistrement de l’album ? Loreena McKennitt : Quand nous travaillons aux studios Real World, une des choses les plus merveilleuses, surtout quand nous enregistrons dans l’espace qu’on appelle la Grande salle.., la Grande salle est une pièce un peu spéciale. La console de mixage est située au milieu de la pièce et devant, il y a des sortes de larges baies vitrées faites à partir de toute une série de très grandes fenêtres qui donnent, à une des extrémités de la pièce, sur un étang. Et dans cet étang, on aperçoit souvent des cygnes, des canards, des hérons et des martins-pêcheurs. Alors évidemment, nous sommes périodiquement distraits par la faune de ce petit habitat l’autre côté des fenêtres. Mais la Grande salle nous permet aussi, à moi et à mes musiciens, d’être dans la même pièce, ce qui est un énorme avantage. Ainsi, il arrivait souvent qu’un musicien ou que des musiciens soient dans la même pièce que la régie technique, leur microphone serait branché et nous serions en train de répéter et puis, je leur dirais : « D’accord, je crois que nous sommes prêts à commencer à enregistrer cette chanson. » Et soit qu’ils resteraient dans la Grande salle où nous répéterions avec chacun notre casque d’écoute sur la tête, soit qu’ils iraient s’isoler dans leur cabine d’enregistrement. C’est un environnement de travail où on se sent très présent physiquement, psychologiquement et émotionnellement, et on entre vraiment en contact avec les musiciens jouant autour de nous. Très souvent, je trouve que les musiciens donnent le meilleur d’eux-mêmes lorsqu’ils sont à l’écoute les uns des autres. Ainsi, tout le processus d’enregistrement commence souvent dans une sorte d’effervescence musicale un peu à l’image d’une réaction chimique. Il m’arrive fréquemment de retravailler et de mettre au point les arrangements en studio, ce qui n’est pas la façon la plus économique d’enregistrer un album. Mais en même temps, je veux vraiment pouvoir saisir la magie qui se crée dans le feu de l’action et pour ce faire, je dois passer sans cérémonie à l’enregistrement aussitôt que je juge que l’arrangement est satisfaisant et que nous sommes assez près du but. De cette façon, j’arrive à pérenniser le sentiment d’exaltation qui nous anime quand la musique est pour nous encore toute neuve. Une autre des caractéristiques intéressantes des studios Real World est que c’est un lieu de travail réellement hybride,entre le conservatoire et le sanctuaire. La lumière du jour pénètre dans le studio d’enregistrement, et le fait de travailler en pleine campagne sous un éclairage naturel m’aide à avoir une meilleure concentration intellectuelle. Je m’en tenais aussi chaque jour à une routine. Le matin, je me lèverais tôt, j’irais chercher ma presse et je reviendrais pour la lire tranquillement - tout dépendant de la saison, mais disons qu’en été, ce serait sur le banc d’une table à Pique-niquer, pendant une petite heure avant d’aller travailler en studio. Puis, je rentrerais en studio à environ 10h le matin pour y travailler jusqu’à environ 17h. Ensuite, j’irais faire de la course à pied et en revenant, je retournerais en studio pour notre deuxième séance de travail de la journée, suivie d’une pause pour le dîner avant de revenir une dernière fois en studio pour y travailler jusqu’à minuit. Nous travaillerions selon cet horaire sept jours par semaine, très souvent pour des périodes de deux à trois semaines à la fois, ce qui représente quand même un rythme assez soutenu. Or, l’environnement des studios Real World favorise ce genre d’horaire de travail. Que vous a apporté le fait de réaliser cet album et qu’espérez-vous transmettre par cette oeuvre ? Loreena McKennitt : J’ai vraiment beaucoup appris au cours des recherches et des voyages que j’ai entrepris pour cet album, et ce processus a en quelque sorte été un véhicule pour mon éducation autodidacte. Comme je n’ai jamais poursuivi mes études au-delà de l’enseignement secondaire, j’ai souvent dis aux gens : « Quand bien même je n’enregistrerais jamais cet album après en avoir composé la musique, voire quand bien même je n’aurais jamais même composé la musique de cet album, l’exercice de rencontrer tous ces gens, d’étudier et d’approfondir mes recherches m’aura suffi, car l’expérience se sera avérée gratifiante en soi. » Le fait que je puisse transposer le fruit de mes recherches et de mes voyages dans un document musical qui intéresse autrui constitue pour moi un énorme bonus. Quand je pense à tout ce que j’ai appris - et je ne puis dire si d’autres partagent ce sentiment - j’en conclus qu’il est extrêmement important de connaître l’histoire pour bien comprendre ce qui se passe autour de nous aujourd’hui. Pour finir, cet album tente modestement de mettre en évidence ce qui se dégage de mes recherches et de mes voyages - qui est finalement aussi le leitmotiv de ma musique - à savoir que dans la fusion culturelle qui s’opère à travers l’histoire de l’humanité et l’évolution des différentes cultures, ce qui nous unit est plus fort que ce qui nous sépare. Je souhaite que ce précepte de vie universel puisse à la fois nous guider et nous inspirer. Commentaires de Loreena McKennitt sur chaque titre de l’album An Ancient Muse Incantation Loreena McKennitt : « Incantation » s’inspire de plusieurs sources. Tout d’abord, ce morceau fait référence à mon expérience professionnelle dans le milieu théâtral. J’ai toujours aimé, surtout au théâtre de Stratford, l’ambiance dans laquelle baigne le théâtre juste avant que la représentation ne commence. Il y a comme une espèce de pré-mise en scène, un moment très spécial où l’éclairage est mitigé et un effet sonore quelconque se fait peut-être entendre. Je sais qu’à Stratford, on sonne une cloche, probablement pour mettre les spectateurs en situation de façon à les préparer psychologiquement et émotionnellement à l’événement théâtral qui suit. Or, la raison pour laquelle l’album An Ancient Muse commence avec la chanson qui s’appelle « Incantation » est justement parce qu’elle crée une ambiance émotive et prépare le terrain pour ce qui suit. Pour ce qui est de la mélodie de ce morceau, j’ai essayé d’évoquer l’idée d’une lointaine époque pour bien mettre en scène l’album. Je pense que les images qui ont inspiré cette mélodie me viennent d’un voyage pendant lequel j’ai eu la chance de passer un certain temps dans une région de la Turquie qui s’appelle la Cappadoce où il y a des formations rocheuses incroyables, et creusées dans ces rochers se trouvent les premières églises et chapelles chrétiennes rupestres. À une époque où les communautés chrétiennes étaient persécutées, ces lieux de culte nichés dans les formations rocheuses leur servaient de refuge. Et quand vous entrez dans ces églises rupestres, vous voyez des fresques exquises qui font allusion aux IIe et IIIe siècles apr. J.-C. Ce sont ces dimensions que j’ai voulu évoquer dans la chanson « Incantation ». The Gates Of Istanbul Loreena McKennitt : L’inspiration pour « The Gates Of Istanbul » passe par un chemin que j’ai déjà emprunté dans quelques-uns de mes autres albums. C’est une réflexion sur les lieux et les époques où diverses communautés religieuses coexistaient plus ou moins pacifiquement. Quand je pense, disons, à l’Espagne avant 1492, il y eut une période d’une durée d’environ 700 ou 800 ans pendant laquelle les communautés chrétiennes, juives et musulmanes vivaient côte à côte, et il s’avère que cette période représentait une sorte d’apogée en ce sens où elle coïncida avec l’épanouissement de l’agriculture, de la littérature et des mathématiques. En fait, on croit qu’une partie de ce savoir qui a fini par se rendre jusqu’en Occident provient à l’origine des peuples arabes de l’Afrique. Leurs courants d’influence auraient traversé l’Afrique du Nord jusqu’en Espagne, puis se seraient propagés le long des routes de pèlerinage comme celles de Saint-Jacques-de-Compostelle, pour ensuite s’étendre à d’autres parties de l’Europe. Alors j’ai voulu composer une chanson qui mettrait en exergue une autre époque qui se situe à peu près pendant le règne de Mehmed II. Je crois bien que c’était autour de 1462 ou quelque chose comme ça. Disons, du temps où la ville de Constantinople prit le nom d’Istanbul. Mehmed II essaya d’attirer les étrangers dans la ville à dessein de la peupler de gens qui avaient des compétences et des sensibilités différentes. Et effectivement, cette époque correspond à une période de renaissance. Bon, j’admets qu’à force de m’être plongée maintes et maintes fois dans différents chapitres de l’histoire, j’ai bien compris que l’histoire a plusieurs facettes et qu’elle peut se présenter sous différents angles, et que donc elle est sujette à interprétation, et je suis tout à fait consciente que ce point suscite de vives controverses. Or, un de ces points de vue est que la période qui correspond au règne de Mehmed II représente une sorte de renaissance culturelle. D’où, j’ai pensé composer une chanson qui mettrait en exergue cette perspective. Caravanserai Loreena McKennitt : La chanson « Caravanserai » se présente comme une réflexion sur l’idée du foyer au sens de demeure familiale, mais aussi, à bien des égards, et autant, sinon plus, une réflexion sur comment cette notion de foyer représente avant tout ceux qui vivent dans cette demeure, ou dans le cas des peuples nomades, ceux qui se déplacent ensemble. Le terme « caravanserai » (en français, « caravansérail ») désigne en fait un lieu physique qu’on pourrait appeler une auberge. J’en ai vu quelques-uns en Turquie. Il y a de très belles structures fortifiées qui balisaient la Route de la Soie et d’autres routes marchandes. C’était aussi un lieu où les gens de la région, les voyageurs et les nomades se réunissaient. C’était un lieu où les voyageurs pouvaient mettre leurs biens à l’abri, qu’il s’agisse de leurs bêtes, leurs tapis ou tout autre marchandise qu’ils transportaient. Et les marchands s’arrêtaient pour passer la nuit, ou pour rester quelques nuits, dans ces caravansérails, qui leur servaient aussi de points de rencontre pour se retrouver avant de reprendre la route. Aussi, les gens de la région et les marchés publics gravitaient toujours à la périphérie des caravansérails. Ainsi, ils ont précipité de façon foudroyante l’entremêlement des cultures. Une des expériences qui inspira « Caravanserai » fut le voyage où j’ai eu l’occasion de passer quelque temps dans une famille nomade de Mongolie. Je crois bien que c’était en octobre 2003, à peu près au moment où cette famille s’apprêtait à conduire leur bétail des pâturages d’été aux pâturages d’hiver. À l’instar d’un grand nombre de familles nomades en Mongolie, ils faisaient l’élevage des cinq types traditionnels de bétail, c’est-à-dire les chèvres, les moutons, les chevaux, les chameaux et les bovins. Or, s’occuper du bétail détermine tout dans leur vie, y compris leur calendrier établi d’après les périodes de transhumance. Et il y a plusieurs années, je me souviens avoir lu que c’était en fait une caractéristique du mode de vie des tout premiers Celtes lesquels étaient donc nomades. Contrairement aux communautés agricoles qui suivaient les périodes de semences et de récoltes pour fixer leur calendrier, ces peuples de tradition pastorale tenaient compte des périodes d’estivage et d’hivernage. Ainsi, par exemple, le Nouvel An celte est plutôt aux alentours du 1er novembre ou à la fin du mois d’octobre, c’est-à-dire à peu près au moment où les gens se préparent à se déplacer avec leur bétail. La chanson « Caravanserai » se trouve être le fruit de l’ensemble de ces expériences et de ces thèmes. The English Ladye And The Knight Loreena McKennitt : La chanson « The English Ladye And The Knight » s’inspire de quelques chants d’un très long poème narratif de Sir Walter Scott, poème qui s’appelle The Lay of the Last Minstrel (en français « Le Lai du dernier ménestrel »), et ce passage du long récit me fascine parce qu’il se déroule au château de Carlisle. Or, le château de Carlisle fut édifié sur le site d’une très ancienne colonie celte alors il y avait évidemment cette idée d’archéologie celtique qui m’intéressait. Mais on retrouve aussi dans ce poème un récit ‘à la Roméo et Juliette’ - un chevalier écossais tombe follement amoureux d’une dame anglaise - qui s’inspire du noble thème de comment l’amour peut transcender les barrières culturelles. Et cette histoire raconte que, ne pouvant supporter qu’elle soit amoureuse d’un chevalier écossais, le frère de cette belle dame anglaise tue sa soeur. Alors le chevalier écossais arrive, tue à son tour le fratricide, et, plongé dans l’affliction, il décide de partir pour la guerre se battre en mémoire de sa bien-aimée disparue. Et dans le dernier couplet, on comprend qu’il s’est engagé pour la guerre en Palestine. Et ce qui est fascinant dans tout cela, c’est évidemment la place importante qu’occupent la Palestine et les conflits qui s’y déroulent, tant dans notre quotidien, que dans notre monde actuel. J’ai trouvé le parallèle intéressant, car on peut dire, oui, c’est vrai, c’est une oeuvre littéraire historique, mais en fait, comme on ne peut nier l’histoire qui est toujours en voie de réalisation, notre monde contemporain en est forcément le prolongement. Et ce poème m’a aussi fait longuement réfléchir sur une des raisons qui peut, ou qui pouvait à une certaine époque, pousser quelqu’un à partir pour la guerre. Kecharitomene Loreena McKennitt : Il y a un morceau instrumental qui s’intitule « Kecharitomene », et il est surtout issu de trois grandes influences. Une de ces sources d’influence est le livre de Susan Whitfield, Life Along the Silk Road, qui brosse merveilleusement bien le portrait des différents types de gens qui auraient voyagé le long de la Route de la Soie, comme soldat, comme moine, ou encore comme marchand. Cet ouvrage nous livre une impression vraiment très intime de ce qu’aurait été leur expérience et nous montre la grande diversité d’identités culturelles qu’il y aurait eue à l’époque le long de la Route de la Soie, de même que toutes les permutations que l’on peut obtenir d’une telle diversité et comment elles auraient trouvé leur expression dans la nourriture, la musique, la religion, ou même dans l’élevage des animaux. Et une fois de plus, ce qui me fascine dans tout cela, c’est de découvrir les lieux, les routes et les circonstances où les cultures se rencontrent et s’influencent mutuellement. Le livre Warriors of God d’un auteur du nom de James Renton est une autre des influences qui ont inspiré cette chanson. Cet ouvrage se penche sur l’espèce de collision qui s’est produite entre les cultures à l’époque des Croisades en mettant l’accent sur l’effet du choc qui opposa l’Occident chrétien au monde islamique, spécifiquement à la fin du XIIe siècle. Il décrit, entre autres, le rôle joué par Richard I (dit Richard Coeur de Lion) et par le chef d’État musulman, Saladin. Je pense que ce que j’ai trouvé le plus fascinant dans ce livre est le fait qu’on pourrait dire que nous, en Occident, connaissons une seule version de cette tranche de l’histoire, ou alors peut-être tout au plus quelques points de vue qui se ressemblent. Or, nous n’avons pas vraiment eu l’occasion d’entendre le point de vue des Orientaux et des Musulmans. Et encore une fois, bien que cela ne soit qu’une photo de l’histoire prise sur le vif, on ne trouve pas moins des échos de ces événements dans notre monde contemporain. La troisième source d’inspiration pour la chanson « Kecharitomene » est en fait ce qui lui a valu son nom. Elle émane d’un personnage historique s’appelant Anne Comnène, qui vivait à l’époque des Croisades, et qui, en tant que première femme historienne, fit la chronique de cet épisode particulièrement sanglant de l’histoire. Elle termina ses jours dans un monastère à Istanbul appelé Kecharitomene, mot qui signifie essentiellement ‘pleine de grâce’. Penelope’s Song Loreena McKennitt : « Penelope’s Song » s’inspire de différentes expériences et impressions, mais aussi de certains voyages. Celui qui me vient à l’esprit remonte à mai 2005, la semaine où j’ai séjourné sur l’île de Chio en Grèce, laquelle est en fait tout près de la Turquie continentale. Je suis restée dans une magnifique chambre d’hôte sur un site de villégiature. Il y avait un verger d’orangers dans mon - en fait, mon lieu de séjour était comme un petit pavillon de jardin niché tout au fond de ce verger d’orangers. Et comme c’était le mois de mai, tous les orangers étaient en pleine floraison - chaque fois que je traversais mon magnifique jardin, je pouvais respirer le capiteux arôme que dégageaient les fleurs d’oranger. Pendant ce séjour, j’ai écouté un enregistrement audio de l’Odyssée d’Homère qu’on peut certainement considéré comme un des plus importants récits de voyage jamais écrits. Une fois de plus, tout cela m’a fait penser à ce que représente le voyage, à ce que représentent la pérégrination et toutes ces expériences que nous vivons en voyage, mais aussi le fait que tant de fois dans l’histoire de l’humanité, et dans toutes sortes de circonstances, oui, il y a eu des gens qui sont partis, mais il y a également eu ceux qui sont restés. Et je voulais composer une chanson qui refléterait le point de vue de celui ou ceux qui restent à attendre. Car c’est bien là un thème universel qui revient sans cesse. Je pense, par exemple, à l’histoire de l’Irlande et à l’époque de la Grande Famine, et comment il y a des gens qui ont émigré, par exemple, au Canada ou aux États-Unis, sur ces horribles navires qui étaient comme des tombeaux. Il y avait des familles qui restaient en Irlande pendant que les leurs partaient vers le Nouveau Monde. Je ne peux m’empêcher de penser à ces gens qui quittèrent les leurs pour toutes sortes de raisons, mais surtout à ceux qui, déchirés par les affres de la séparation, les regardaient partir sans savoir s’ils reviendraient un jour. Alors j’ai voulu composer une chanson qui faisait allusion à ce sentiment d’être en attente de l’être cher, d’attendre son retour. En fait, « Penelope’s Song » est l’expression de ce sentiment. Sacred Shabbat Loreena McKennitt : Il y a sur l’album une composition instrumentale qui s’intitule « Sacred Shabbat ». La première fois que j’ai entendu cet air, c’était lors d’une de nos 'séances d’expérimentation de chimie musicale’ à Athènes. J’avais demandé à trois des musiciens de jouer ensemble un morceau de musique qu’ils connaissaient tous et ils se sont mis à jouer cette mélodie. Aussitôt que je l’ai entendue, je me suis dit : « Qu’elle belle mélodie! » Mais ce ne fut que plusieurs mois plus tard que j’ai retrouvé ce même air sur un album de musiques espagnoles d’inspiration juive séfarade. Et ça m’a fait penser à comment les morceaux de musique migrent en même temps que ceux qui migrent et émigrent, de telle façon qu’on peut facilement oublier d’où ils tirent leur origine. J’ai appris par la suite que cet air est très populaire et très apprécié dans toute la Méditerranée. Alors, j’ai tenu à l’inclure sur cet album. Parallèlement à la découverte de cet air que mes musiciens avaient joué pour moi à Athènes, je terminais tout juste un livre écrit par un auteur turc qui s’appelle Irfan Orga, un livre s’intitulant Portrait of a Turkish Family. Ce sont les mémoires de la famille d’Irfan juste avant la Première Guerre mondiale, et de sa famille à Istanbul. C’est un récit très, très émouvant de - un peu comme les derniers jours de l’empire Ottoman, et on peut voir et goûter et ressentir et entendre toute la beauté des vestiges de cette culture. Ainsi, je m’imaginais entendre une mélodie comme « Sacred Shabbat » jouée dans les scènes se déroulant plus en famille ou en société, tant dans un espace public comme, par exemple, un parc, que dans l’intimité de leur salon. Et en présentant cette composition instrumentale, je voulais une fois de plus, éclairer ces coins obscurs de l’histoire et aussi reprendre cette mélodie qui m’a vraiment inspirée. Beneath A Phrygian Sky Loreena McKennitt : La chanson qui s’intitule « Beneath A Phrygian Sky » s’inspire d’une de mes visites à un site archéologique en Anatolie près de Gordion, juste à l’extérieur de la ville d’Ankara en Turquie. Quand je visite différents sites archéologiques, il m’arrive souvent de contempler les décombres - et ce jour-là, je n’ai pas pu m’empêcher de penser que, même si ce ne sont que d’une certaine façon des débris de pierres, j’avais tout de même le sentiment que ces pierres furent par moments témoins d’événements extraordinaires à travers les âges. Et sur ce site archéologique près de la ville de Gordion, ils avaient découvert des ruines celtiques, mais il semblerait qu’ils n’étaient pas tout à fait certains si ces ruines étaient en fait les vestiges d’une colonie celte ou ceux d’un contingent de mercenaires. Car c’est un fait notoirement connu que les Celtes étaient des guerriers redoutables et qu’ils auraient souvent été recrutés pour combattre dans des guerres qui n’étaient pas les leurs. Alors on retrouve ce thème de débris, ce thème de guerres et pourquoi les gens partent pour la guerre, mais aussi l’idée qu’il y a assez d’histoire derrière nous, et assez d’enseignements à tirer de cette histoire, pour que nous soyons capable d’apprendre et de faire de réels progrès, et pour que nous cessions de toujours répéter les mêmes erreurs. Ainsi cette chanson est autant une longue méditation sur ces thèmes qu’elle n’est une sorte de déclaration solennelle qui suggère que, s’il y a une chose qui pourrait et qui devrait nous donner le courage d’avancer, c’est notre ouverture sur l’amour. Never-Ending Road (Amhrán Duit) Loreena McKennitt : Le dernier titre de l’album, « Never-ending Road », s’inspire de la tradition que l’on retrouve, entre autres, chez les mystiques chrétiens, juifs et musulmans qui écrivirent des poèmes très imagés dans le dessein de saisir ce qui constitue l’essence même de la relation de l’homme avec Dieu. J’ai trouvé très enrichissant l’expérience de créer un document musical d’une telle dimension, car dans la mesure où la vie est un long voyage balisé de joies, de peines et d’épreuves, le chemin se révèle sans fin et le voyage, infini. Cette chanson rend un modeste hommage à cette tradition perpétuée par des visionnaires de grand talent qui m’ont inspirée. Entretien réalisé par Keltia Musique AmarokProg Tweeter

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